《设计趋势之上》作者：[美] 马特?马图斯/著 焦文超/译

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对视觉艺术未来构成威胁的是自己动手者。一个周六早晨，家得宝（Home Depot） 商店里，一群人正在颜料长廊上进行制作。激情四射的自己动手制作者们，比照着手里的样品，在把靠垫和一些室内装饰品涂成灰绿色、还是奶黄色之间斟酌着。职业设计师们和色彩设计师们看到他们竟选择如此亮丽的颜色，把客厅装扮的如同商店一样，肯定会失声尖叫的，他们急需设计干预。整个社会体系也支持亲自动手制作者。像迪斯尼、拉夫·劳伦（Ralph Lauren）以及玛莎·斯图尔特公司都有授权使用的图像。电视节目总是定位于设计者之间的设计比赛上，并举办卧室设计秀。自助式制作甚至专门拥有有线电视转播网。这真是简单的自我表现形式吗？或者，这是“趣味设计”型的体验活动？抑或，这是一场自己动手不必聘请设计师的新运动？（关于手工艺的简要说明：像迈克尔和Jo-Ann这类手工艺品店在美国每个城镇都有。从剪贴簿到被子制作，这些手工艺文化并不完全和艺术有关。它们更多的是一种自我表达，而不是设计。它们使用一些已经做好的设计进行组装和个性化订制，属于模板设计。模板设计有趣而又安全，对设计师并不构成威胁。）
P32>>Snap Wrap 包装纸，明尼苏达州明尼阿波利斯市的Catalyst工作室设计。
P33>>丝网插图，加利福尼亚州帕萨迪纳市的艺术家史蒂文·哈林顿设计，2008年。
P34>>丝网插图，艺术家史蒂文·哈林顿设计，2008年。
p35>>“生活可口的一面”商业活动的插画

如今任何人都可以说自己具有创造力。创造力不再是创意阶层的专属，任何人都应该具有创造力。对设计的新认知在商界的证明就是：最受尊崇的商学院正在开设设计课程。作为顶级商学院，斯坦福大学如今开设了设计学院。国际知名的商业杂志，如《哈佛商业评论》和《商业周刊》，已经将设计作为相互竞争中的终极平台。随着设计价值的提升，在能者和弱者间将出现更激烈的竞争和更大的分化。能够将突破性想法组合起来的天才设计师将要更加努力工作，以便从那些更关注设计流程而不是视觉方面的线性思维设计师群体中脱颖而出。
个性化设计的崛起对设计界的影响有两面性。积极的影响当然是我们需要更多的设计师——特别是那些优秀的设计师。个性化设计让人们对优秀设计的价值有了新的认识。但是现在人人都可以说自己是设计师，使得设计这一职业显得无足轻重。这给那些寻找创意天才，但又无法评价这种创造性的人带来了很大挑战。
然而那些有技能做出高质量设计的人还是有机会的。尽管任何人都可以在苹果公司的iLife软件或者玛莎·斯图尔特生活多媒体帝国网站上通过点击和拖拽图像进入模板来发挥他们的创造力，但还是得有人设计这些模板。这些人就是真正的设计师。
具有卓越才能、能够完全创新的人将在这同质化的世界中高高在上。卓越的创造力将划出一条深长而无法穿越的界限，将那些以设计作为消遣和那些可以创造奇迹的人区分开来。
P36, p37>>2006年，在西班牙巴塞罗那市瓦勒里展览上，无格式插图曾引起不小的争论。
p37>>中图：日本乐队组合Anoice发行的首张重要专辑“Remmings”。
底图：Carhartt在美洲也许仅意味着整洁的工作装，但是在北欧很多地方，却是对城市街头文化的另一种表达。来自布达佩斯的设计师Karoly Kiralyfalvi是Carhartt公司聘请的众多设计师中的一位。他们的主要职责就是布置所有的Carhartt专卖店，使每一个店都与众不同，令街头骑滑板车的人、追求时尚一族无法抵御Carhartt服装散发出的真实性的美。

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1．设计上瘾 Design Addiction
大公司发现了设计的价值
今日社会急需创造型专业设计师。从历史上看，价值取向总能促进社会文化和设计专业的发展，因此，设想一下，在我们这个充斥着大量商品的社会里，原创性有什么价值呢？
仔细思考一下这个问题：一家公司将会推出何种产品，它是如此的与众不同，竟颠覆了传统的思维模式？同时，有时作为生活中的“必需品”，与诸如全能电话之类相比，后者看起来就像维多利亚女王时代的古董。该产品又将会产生怎样的价值呢？答案是：非常大。
社会游戏改变规则的标志是大学里大的商学院正开辟设计校区，并且公司招收设计专业的高材生的方式不再是在办公室里看他们递交的简历，而是像玛莎·斯图尔特生活媒体馆和迪斯尼公司一样，在学生上大四之前，就已开始了他们的招募行动。在有创造性的大公司实习，也变得像医学院的学生都想到世界上最好的医院去进行高级训练一样，竞争异常激烈。
设计业已经毫无争议地成为今日商业界的热门专业。唯一的事情就是，接下来会是什么？
2．更多就是更多 More is More
我们能少些设计吗？

不需要很多设计的地方就应少设计。以电视频道为例。我们都想看更多的电视节目，但是越来越多的频道并没有真的提供新的电视节目，并且我们依然摆脱不了同样旧的节目的包围——只是旧的节目越来越多而已。
因此，我们理应比我们的祖父辈受到更多的教育，对吗？但是，为什么我们的需求会更多呢？我们需要更多的信息、更强健的体魄、更加开放的全球化视野，我们比任何一代人都更加关注自己，更关注自己的生活，更加注意从情感上保持联络，更富有责任心，甚至更加善待自己的身体（或者说，至少更注意用药物调养身体）。因此，如果说我们这一代人更聪明的话，为什么在涉及将来最大的可能性问题——更多却只会导致更少上，却如此盲目呢？当我们对外界索要更多时，我们又如何准备处理身处更少的局面呢？
商业设计潮流也需要满足更多的要求：更富有竞争力、更有意义、更加可靠、更持久，噢，当然还要更有用。但是，我们却很少听说视觉文化需要什么要求。随着设计工具的推陈出新，图像不断更迭，信息与设计不断涌现，我们进入了这样一个时代：种类少就给人守旧之感，并且很奇怪的是，种类越少反而让人觉得该种商品的数量会越多。
3．担忧 Fear
对滥用原创性思想的担忧
设计师们一般都有自己的嗜好：一家秘密的印度餐馆，一块特殊原料做成的布料或纸，一个制作奇特纸杯蛋糕的蛋糕店，某个品种的狗，或是一件穿了15年的T恤仍不舍得扔掉，等等。
设计师们积极体验所看、所买或第一次新鲜事物所带来的新奇感受，然而，对于其他人而言，不熟悉的事物并不吸引人。我们都知道，人们一般害怕新的款式，其原因是多方面的，也许是你妈妈从未买过其它品牌的衣服，或者这种款式总是给你留下不舒服的感觉。我们人类总是习惯于喜欢被传授的东西，无论我们意识到与否，我们总是依据天生的好恶，作出是否采纳建议的决定。
设计师却有所不同。一个人越有创造性，他的爱好可能就会越“危险”。他可能会热衷骑摩托车，也可能是吸食毒品；或者，敢于去危险的地方旅行，或是在测试选择颜色时总是极端自信。

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作为设计者，我们必须了解观众们是如何接近新设计作品的，并且要帮助他们克服掉那些不舒服的感觉。我们必须拿好鱼竿，把观众们从“新东西”的水塘里拉上来，并保证在此过程中他们不会脱钩。这是一个关于“原创性的困惑”古老的话题。
现在，将这一话题置于当前设计环境下。目前设计环境有两大特点：大众消费市场的设计紧跟名牌精品店的原创性设计步伐；新兴设计运动追随大众市场的脉搏，等不及设计趋势成长为有影响的复杂的潮流。最大的零售商总是立即停止对原创性设计的研发，而转向新的设计。正是对新设计无休止的追求，设计业的运行周期大大缩短，而消费者们却尽力不丢掉自己花15美元买的短长裤。简言之，设计正在消耗它的青春。
4．周而复始 Recycling
我们现在又处于怎样的设计运动中了？

我们已经处于21世纪了，我从来没想过我们还会买带有上世纪中期烙印的家具。我们的世界就像喷气式飞行器一样飞快地循环往复着各种趋势：五六十年代是各种设计趋势公平竞争的时期；70年代，设计趋势风头渐弱，好容易走过十年；无论我们能从恐怖的80年代和毫无意义的90年代寻得什么宝贝，这些视觉符号很快要被消耗殆尽了。难道设计界不应该好好考虑下一步该怎么办，而不是以不断重复的绝望的模式又回到上世纪中叶？
从八十年代我们陷入这种无休止的循环开始，我们也在教育新一代用不同视角看待旧时的运动。这就是为什么一个40岁的人不喜欢喇叭裤和低腰裤，而一个少年人却要买喇叭裤或短长裤。设计界已经模糊了趋势的意义，在此过程中也毁灭了任何相关的最新的设计运动。
那么设计趋势的季节现象呢？商界想到没有明显的设计运动或者学生返校时没有穿上新衣服会吓呆的。电视新闻的事情同样会发生在设计上——它变得很轰动，但是没什么可以再说的了。
新闻速报：20世纪90年代回来了……现在怎么办？
5．矛盾 Contradiction
冲突趋势的存在
如果你现在还没有迷惑，你很快就会了。你可以说某种风格很漂亮、有趣或者更迭频繁，但是如今不同风格之间的矛盾可能也是一个警告信号：从文化上说，我们可能已经没有了新的视觉理念。当设计师找遍全球获取能激发他们灵感的东西时，他们越来越快地用尽了灵感。设计趋势很像野火，我们创造力的森林有用尽树木的危险。当然，我们这个充斥着视觉符号的世界也有伟大的东西，但我们这些设计师应该注意我们想要什么。在一个最大的零售商们吆喝“设计是为了每个人”的世界里，负责带来希望的设计师们发现，想获得真正的创新变得越来越难。
这种现象带来了我们大多数人都很害怕提问的问题：创造是一种有限的资源吗？
现在，当世界上最有才华的设计师把相互矛盾的风格并列起来以追求让人激动的设计时，你不禁会问接下来会怎样。看起来很新颖，但是展望一下，视觉匮乏开始前还能有多少新的组合？一些更大的问题可能是：“我们的文化是否达到了全球创造力的饱和点？”或者更积极地来看：“这种不可思议的、无法预料的并列安排是否会带来一些更新的、我们从没想到过的东西吗？”
如果相互冲突是现在每个设计师都在做的，那么它会是我们最后的视觉趋势吗？

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6．视觉疲劳 Visual Exhaustion
好，我现在麻木了
什么让你激动?你上次看到新东西——你之前从未见过的东西，是什么时候？我不太清楚你的情况，但是我现在有些厌倦了。
以前发生过文化停滞不前的情形，但是相反的情况也发生过——文化高度发展的时期，人类学家称之为“文化的全盛期”。受人尊敬的社会人类学家克鲁伯（Alfred Louis Kroeber，1876—1960）在他1945年的着作《文化发展的结构》中援引了智力进步和审美飞跃的相互关系。我们可以清楚地看到克鲁伯通过过去五百年的历史而确定的规律。我们可以看到像达尔文、爱因斯坦这些标志性人物，以及设计和艺术的进步是如何改变社会和文化的。这种文化的全盛期很少见——可能只有三四次。距今最近的一次在19世纪晚期，那时工业革命在全球推行，为全球旅游创造了条件，并带领人们进入电汽化时代和现代化生活。
我们更关注的是文化达到鼎盛后会发生什么。克鲁伯的书将古希腊和古罗马作为文化全盛时期思维枯竭并停滞的例子。用他这种关于文化崩塌的例子，我们的将来在理论上会是一幅恐怖的图像。
然而我对现在的情况比较乐观，因为和他们那个时代相比，我们这一代知道的要多得多。最有影响的是我们已经达到了全球化，不受国家限制的文化概念改变了一切。任何视觉文化的顶峰都要从全球角度衡量，而不是用本国的尺度。
对设计师而言，任何相关理论都带来了前所未有的新挑战……进入一个充满悖论的世界，在这个世界里，在追求熟悉的一致性的同时，却走向了陌生。
7．随意的影响 Random Influence
设计师工作的更加努力以吸引我们的注意

看似随意却经过深思的影响并不容易做到。最有艺术创造性的设计师成功地找到了解决方法。危险之处在于，一旦文化接受了随意的影响作为一种模式，就很难前进。就像60年代的震惊艺术（shock art）一样，并列呈现和自相矛盾这类想法只能吸引消费者一时的兴趣。更大的危险在于业余设计师所产生的随意的影响。
知道用什么作为影响，什么时候使用影响，学是学不到的。正如烹饪一样，有很多菜谱，但是原创性思维最好留给有识之人。实验可以带来更大的发现，但是只有少数人能真正实现原创性。和当今设计的区别在于，品位已经变得更加主观，可以使用（或者误用）的素材到处都是。
影响不是设计趋势的终结者；它是设计趋势的创始者。随意是致影响消亡的大敌。
要仔细考虑。
8．自我表现主义 Self-Expressionism
这一趋势会是我们最后的创造性运动吗

我们视觉上的丰富并不只是让人厌烦，它变得更让人上瘾，更有控制力。在很多方面，是“更多”运动在牵着设计的鼻子走。当代人生活在这样一种视觉信息混杂的世界中，以至于我们已经到了视觉混乱的边缘。我们相信这种视觉文化的丰富让我们接近真实的自己。但说实在的，混乱真正刻画了我们此时的心情，一种如果我们发现不了其意义就很难控制的心情。
真正的设计必须基于此时此景，并持续下去。设计需要存在于各种连续不断的各式各样的意义上。该意义连续体从短暂到永恒，并能从生活变化中汲取养分。如果设计能从情绪上提升我们，在当前充满混乱的对比和多样化需求视觉世界中，我们又在做些什么？设计还能保持其感染力吗？

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真正的设计也许就是混乱，前提是这种混乱要经过深思熟虑，有前瞻性的目的，从而能在情感上打动我们。我们目前提出的“设计是为了每个人”的流行设计趋势可能会让我们欢欣鼓舞，但是真正重要的旅程，在新鲜感逐渐消失之后才刚刚开始。
现在，随着迈克尔工艺品店、玛莎·斯图尔特生活馆、自助式服务项目和大量杂志的日益兴起，我们对手工艺和自我表现越来越着迷。这进一步说明我们有着强烈的欲望，来发现周围的视觉生活和虚拟生活中的意义。
9．意义 Meaning
在品牌中寻找意义

任何事物都要有意义吗？你还记得第一次在被告知进行创作时听到“意义”一词吗？更新颖的这种“增加故事性”的想法怎么样？你可能觉得这些“故事”和“意义”只不过是虚张声势罢了，是耶鲁毕业的新的营销经理从MBA课本中拿来打动老板的概念，但是你错了。事实上，意义和故事是两个新的商业概念，比任何过去一百年出现的商业概念都更能影响设计。问题在于，伴随着这种连接力，不滥用这种复杂关系的责任也随之而来。
为了让事物有意义，就必须和消费者进行情感结合。不幸的是，最简单的一种沟通方式就是让消费者想起过去。难怪我们的视觉世界充满了“古老”、“怀旧”、“古董”、“宝库”、“经典”这样的字眼；不仅仅因为它简单，它可能是留存在消费者心中的全部东西。在现代社会中，营销和设计陷入了同样的困惑，如同营销者努力表现得更像设计师那样，设计师也应该练习像负责任的营销者那样表现。
那么，营销只不过是销售艺术，对吗？它可能更接近销售“具有个人意义的艺术”，而不是“毫无意义的个人艺术”。无论如何，这种艺术/意义的联系价值是真实的，而且会存在下去，所以，如果你想磨练你的艺术技巧，现在就开始吧，但是要明确你真正在学什么。如果你能够完美地应用Adobe Photoshop中的所有过滤器，却说不出威尼斯双年展的前五位艺术家的名字，那么这是你知识上的缺憾。设计不仅仅是技巧，也不仅仅是记忆，它是认知。
10．因特网 The Internet
它改变着我们的生活

因特网大概是我们大多数人一生中见过的最有影响力、最重要的发明。能和世界任何人谈论任何事情真的让人惊叹。但让我们联系在一起的全球化也带来了更加一次性、更为随意的文化。
想一想：新想法可以即时在互联网上或者通过电子邮件进行分享。我们可以让任何形象闪过许多国家的许多双眼睛，这一事实让全球的视角和品味都一样了，大众变得反应迟钝。互联网就是这样一种迅速充斥全球人头脑的工具，全球文化对曾经并不熟悉的刺激变得麻木。
过去的文化受到国界的限制。文化、艺术、宗教和政治之间有着明确的联系。如今的设计相对独立于这些限制，却以一种奇怪的方式更多地同网络和媒体联系起来。网络和媒体又让合适的群体之间有了更深的联系，这些群体即文化人类学家所说的“经验群体”，因为它们由同样经历的人组成。同时，其他人可能永远不知道这些群体在分享什么。早期的接受者可以在他们的群体内加速视觉艺术演化的过程。
这些重新划分的人类经验界限，不仅按照地理或者国籍，而且按照个人兴趣和愿望把我们组合成群体。这是我们社会结构的重写，这是利益群体间更加独特的模式。
让人恐怖的是任何事物只能新鲜一次。互联网能持续多久呢？

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2007年6月，我参加了在德国卡塞尔举办的第十二届文献展。卡塞尔文献展堪称艺术界的奥林匹克，它有能力影响全球的设计趋势，它是能看到奇异的、超凡脱俗的视觉弄潮儿的首选之地，通常被称作“100天博物馆”。因为它持续整个夏季，吸引来自全球约100万创新界精英来此聚集。该艺术节始于1955年，目的是调和德国生活与全球现代化之间的矛盾。今天，文献展的特色是贯穿卡塞尔建了几个亭子，每一个亭子主要展出精选的举办国艺术家的作品。对于任何创造型人士来说，这里就是见识未来艺术与设计的神圣之地。
参观这些艺术展览是让我倍感激动的事情。但是，这一次媒体的社评在基调上并不积极。几乎没有艺术家对本次的展品感到震惊，展品也没有引起大家的争议，更多的人对新上任的艺术节主任罗杰·波格尔在文献展网站首页上的致辞感到有点好奇，因为这一宣言，使他看起来更像是一位批判者，难道他已预料到参观者的反应而事先做了最坏的打算吗？“我们只是把文献展作为这样一种媒介，来到这里，我们不只是来欣赏‘世界上最好的艺术大师’的作品，而是要把这里当成体验的空间。”上帝呀，连边缘艺术界都落入体验主义的藩篱，剩下的还有什么呢？
>>拼贴画：哈瓦那人字拖鞋海报，由Adhemas Batista设计。耐克广告，由纽约VAULT49创意设计团队设计。Adhemas Batista设计的艺术作品，表现了浏览电子杂志 NewWebPick的奇妙感受。Adhemas Batista为在印度尼西亚雅加达举行的Territory 杂志大型设计会展设计的作品。Hugo Boss香水广告，由洛杉矶和纽约Stardust工作室设计。
甚至更让人吃惊的是，第十二届卡塞尔文献展的组织者们都没有设立一个清晰的主题；恰恰相反，他们反倒提了三个设定基调的问题。这三个问题分别是：
1．现代性是我们的古代性吗？（Is Modernity our antiquity?）
2．什么是赤裸人？（What is bare life?）
3．该怎么办？（What is to be done?）
这三个主题让我们瞥见了未来设计趋向的一角，但是听起来却有点吓人。
现在，设想一下，你就是你的祖国挑选出来参加本届文献展的画家，要依据上述三个主题来评价你的作品。这三个主题不仅故意模糊不清，还作为一种强有力的证据存在。因为它们可以证明，就连最敏锐、最富有表现力的设计界评价者对设计的未来也感到迷惑不解了。这三个主题与亚当·维恩博格为2006年惠特尼双年展的宣传册的前言中提出的主题非常相似。在所有艺术界人士的心目中，惠特尼双年展是一个有影响的展览，他说：“今天的艺术形式非常复杂多变，自相矛盾，令人迷惑不解。几乎没有人能看清楚整个艺术环境。与以前仅仅是一群艺术家和一些明显相冲突的风格、含义相左的概念，以及追求不同方向的含混的艺术界相比，今天情形明显复杂多了。
就像第十二届文献展和与之有同样影响的威尼斯双年展、惠特尼双年展所展示的那样，如果全球最有影响的展览策划人和视觉艺术家都不能判断艺术走向何方，我们这些设计师又该如何判定呢？也许这是设计和艺术的棺材上的最后一颗钉子。

P50>>: 由纽约VAULT49创意设计团队设计的Infinity汽车广告是广告中最早的装饰成分与矢量轮廓图案相结合的例子。
P51>>左图：美国联合制片公司的Vintage Ray Patin动画，由Amid Amidi的“卡通现代”网站提供。
中图：此盘由纽约设计者John Derian运用老式艺术手段设计。
右图，从顶部按顺时针方向：带有溜冰鞋和蝠鲼鳐图案的盘，由John Derian设计。美国联合制片公司的Vintage Ray Patin动画，由Amid Amidi的“卡通现代”网站提供。画作《享受托比》，由Gary Baseman 创作。

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文化成长伴随着整个人类历史。只是在这个繁忙的现代世界中，我们大多数人仍然感觉不到早期文化对其他文化的发展的影响。几千年来，人类不同文化形态经历着从行成到繁荣再到衰亡的过程，但并不是没有影响到其他文化。在我们现代社会中，随着电视和网络把整个世界联系在一起，文化的这种影响作用更为明显。
我们先来想一想我们文化中的杂质部分，即先前种种文化对这种文化影响的混合物。今天，我们继续受到这种文化的影响，只要想一想下列一些简单的联系，你就能体会到我们是生活在先前文化影响之中的。比如今日所用的字母表与古罗马字母表之间的异同，今日建筑对古希腊建筑的继承，今日之食物与中国食谱的联系，以及我们的音乐传统可以追溯到意大利的早期音乐，等等。这些影响纷繁芜杂，我们每天都身处其中。更重要的是，作为设计师，我们必须认识到这些影响会继续对我们的设计创作产生作用。

P52>>顶部：2006年意大利都灵冬季奥运会开幕式，激励各参赛国用独特的创造力和文化来给世界留下深刻印象。
下左：由Deanne Cheuk所作的编辑插画，与Joanna Newsome的一张专辑共同在Fader杂志上出版。中右：耐克“拥抱异域”竞争赛的现场动画的静止图，由设计与动画工作室Lobo()设计制作。
p53>>上左：由Lobo工作室设计的耐克“拥抱异域”竞争赛的另外一张现场动画静止图。
上右：由设计组Lobo为巴西雷亚尔银行制作的获奖动画广告的静止图。
下图：扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）为2012年伦敦奥运会设计的水上运动场馆模型。
从历史上看，大部分的文化发展都带着创新的光环，并且，随着时间的流逝，这些创新愈发引人注意，其中，有些运动人们已经耳熟能详了，比如美国工艺美术运动，其实就是对过于追求精雕细刻的维多利亚风格的一种反抗。如果向前追溯得更久远一点，我们就会在很多的视觉文化中看到类似的模式，比如在印加文化中，罗马文化中，英国文化中的维多利亚时期和文艺复兴时期，都可以找到。无论是细小的文化流派，还是影响巨大的文化运动，文化在最初阶段都深深扎根于理想主义，进而向相反的价值观方向发展。
大部分视觉文化运动在这些理想主义的奢华世界里交替走过，因为处在对立面的运动总是让人感到新鲜。但是在19世纪晚期，随着传播工具的进步，以及科学和知识的巨大发展，情形开始变得不同了。人们不再被简单的冲突所深深吸引，而开始追求更多的视觉刺激。想一想，19世纪末期20世纪初的令人惊异的发展吧，随着科学、数学的进步以及像电一样改变人们日常生活方式的发明的不断涌现，人们的观念发生了巨大的变化。这是一个无与伦比的发明和进步的时代：托马斯·爱迪生的时代、查尔斯·达尔文的时代、阿尔伯特·爱因斯坦的时代。
P54>>诺曼·福斯特勋爵为Mary Axe街30号设计的概念草图，现在此地是伦敦的标志性建筑，被亲切地称为“小黄瓜”。p55>>建筑能成为品牌吗？诺曼·福斯特勋爵让你近距离感受“名建筑”的概念。
从设计角度来看，这也是一个转折时期，在这段短暂的时期内，我们所使用的物品在新科技面前突然变得过时了，在1865年至1938年期间发明的电、钢铁以及汽车彻底改变了那个时代的生活方式。塑料制品、飞机旅行，以及包装食品随后而来。想一想1938年世界博览会对设计界和文化的影响，在本次博览会上，人们第一次见到冰箱、洗衣机和高速公路。在电视和无线电广播遍布全球之后，艺术家们和设计师们开始加速这些影响的交换，从流线型风格到超现实主义。
设计作为一种观念开始深入人心，无论是1900年具有先锋理念的消费者还是今天的网迷们，都初步具备设计的观念。20世纪初，流行的是一种视觉运动，后来渐渐演变成多元化的凌乱的混合体。最后整个运动看起来很像是现代化的继续，并且很多人认为我们现在仍处于这一运动之中，以未来的眼光看起来，整个20世纪也许会被宽泛地定义为广义上的现代主义。
p56>>上左：美国最大赌场——康涅狄格州密歇根太阳赌场的室内瀑布。
中左：是伦敦岩石音乐厅还是莫希干的骄傲？文化融合速度如此之快，以至于很少有人能分清是现实还是虚构。
下左：詹姆斯·费尼莫尔·库柏的着作《最后的莫希干人》及其电影插图——使许多人将虚构的事物当作是在历史中真正存在的。
好了，我们也许正在经历这一激动的新界定的运动的初始阶段，但是在文化尚未变得混乱之前，我们目前仍然为了一个不确定的时期而冒着永恒循环的危险，现在主义也罢，非现代主义也罢，无论我们如何称呼未来，它都会向我们全速奔来，但是我们看不到。
右图：插图画家伦敦城市艺术家Ben有着独特的风格，描绘从同代人中得到的灵感，如日本的村上隆和20世纪晚期风情画家。他将这些灵感与快节奏的现代歌曲结合起来，于是我们看到一种新的城市混合形式的出现，而它可能会决定今天的视觉表现手法。
p57>>插图画家Ben的插图作品。

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设计界总是推崇伟大的作品，同时每次它又教会观众要不断地增加需求。最高的体验引起对下一次更好体验的期盼。我们总是把极致的标准提升得越来越高。从文化上来讲，我们对极致近乎迷恋——最好的男高音歌手、最好的餐厅设计者、最佳厨师、最受欢迎的时装设计师、最重要的建筑师。我们都知道他们的名字：他们经常出现在电视和杂志上，兜售他们代理的产品，并利用多种媒体推销自己。
现在，就连大型的文化盛会在思想上也混作一团了。以奥运会的开幕式为例，曾经它是多么具有文化性的盛会呀，而现在所有的开幕式看起来都很相似，只留有一点点举办国文化的痕迹。作为观众，我们期望在挪威举办的开幕式上看到驯鹿；在加拿大举办的开幕式上看到北美土着部落的舞蹈；在美国举办的开幕式上听到作曲家约翰·威廉姆斯所作的小号曲演奏；在中国的开幕式上能看到绚丽的烟火表演以及在意大利的开幕式上能听到最好的意大利歌剧独唱演员的演唱。当全球真的连接为一体，国与国之间没有沟通障碍时，我们自己独特的文化表达是最令人印象深刻的。有人称这是好莱坞或者拉斯维加斯或者迪斯尼公司制作的文化；其他人称这是专家制作。但是，不管是哪一种，难道信息泛滥会消灭文化吗？有限制吗？或者我们可以突破这些限制吗？
>>纽约设计者Deanne Cheuk用创新手法,超越传统法则，通过正统的工作室常用媒介，如水彩和线条等，来创作描绘当今多维世界的图画，以轮廓为表现形式，引人深思。此图是一家美国Rag Cie商场在日本开业时所用的迎宾画。
p59>>Cheuk 2005年开始拓展创作领域，为Tokion杂志担任艺术总监。
为什么厨师艾梅里尔·拉加西（Emeril Lagasse）在拉斯维加斯的黄金地段和迪斯尼乐园里都设有餐厅呢？因为我们都追求完美，迷信专家。这也可以解释为什么我们都知道硬石咖啡馆（Hard Rock Cafe），或像峡谷大农场水疗俱乐部（Canyon Ranch Spaclub）之类的度假区。而且还知道，为什么这些品牌不仅在迪斯尼世界和拉斯维加斯有，在Target和世界最大的游轮“玛丽皇后二号”里也有。今天，设计明星随处可见，他们之间彼此合作，创造出更大的设计表述能力。他们合作的品牌常常验证一个目的，那就是“酷”。如果市中心的迪斯尼有个品牌的话，好莱坞的环球影城也要有一个。如果伦敦有某个品牌的话，那么纽约也一定得有一个。
就连某个想保持小范围的简单创意最终因为变成名牌，频频曝光，而面临枯竭的危险。就以“喝牛奶了吗”公益活动为例，或者，更典型的、颇为流行的芝加哥奶牛游行——那些奶牛油画作为公共“艺术”贴得到处都是。最初的原创作品于1999年出现在一个展览中，接着，它诱发了全球性的跟踪模仿：在迈阿密出现了油画游行中的海豚，在辛辛那提出现了油画游行中的猪。如今，“游行中的牛”商标在全世界三十五个城市注册。这一现象足以证明：如果一个简单的创意是土生土长的，它很有可能满足大众欣赏的需求。

>>左图：现在，手工艺术可以通过笔或鼠标来实现。由Dan Funderburgh为在加州阿罕布拉市原子核画廊（Gallery Nucleus）举办的Ninjas D’ Amore笔墨展创作的招贴画就是其中一例。
右：Dan Funderburgh为《感光过度》杂志2006年3月版创作的附加页图画。
P61：左：Dan Funderburgh 创作的“瓷砖战争”招贴画。
右：纽约艺术家John Derian创作的“骨头和骷髅头”图案盘。

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由于设计师们总是努力创造“新”物品，使设计创造与从前相比更像是“畏途”，这当然是多种因素造成的。随着我们对新奇物品的需求越来越多，设计压力也越来越大；同时，另外一种因素也不容忽视——即全球相互依赖的思想，或者称作世界想要立即参与到任何设计中来的越来越强大的愿望。想一想在电视和网络出现之前，艺术运动很少离开一个国家的界线。
我经常拿设计与自然史进行类比。值得一提的是文化表达方式，例如，某种古代文化往往有其独特的表达方式。为什么自然历史博物馆总是珍藏着手工艺品和设计作品？为什么我们今天遗忘了设计中的人类元素，包括其中的生活规律？在我们的生活中，到底是什么因素在影响设计？是什么因素促进它发展？又是什么因素导致它灭亡？
从人类早期阶段到文化繁荣经历了大约600年的时间，而艺术设计已大约经历了150年的发展历史，照此速度，作为设计师的我们，对人类创造力在未来是否具有发展潜力问题上，就认为人类必定具有能力创新呢？没有人知道答案。但是未来主义的回答证明是错误的。因为他们所引进的一些分裂性的观念，也许会引起轰动性的悲剧，或是介绍一些新的却不为人所知的技术。无论是哪一种，都会改变我们的思考方式。
目前，虽说全球多元化趋势在任何时刻，无需任何理由，都有可能发生改变。但是，除了在建筑业有显着发展之外，在设计界尚没有迹象表明会发生重大改变。这种现象是好是坏尚未可知。但是，因为我自身就是一名设计工作者，正从这个更大的多元化之井里汲取影响，所以，在我看来，这口井已变得浑浊不堪。挖得更深一些，并非是让井变清的办法。

>>招贴画，佛蒙特的Jager Di Paola Kemp(JDK)为美国招贴画学会举办的名为Flatstock的招贴画系列展览而创作。
>>长野市抽象图，插画家Ben为《计算机艺术》杂志创作。
随着现代社会文化融合的加剧，文化同质现象随之而来。这一现象促使人们思考在文化同质过程中，我们将失去什么，打算留给子孙后代什么？如果我们打算接受我们之前不能接受的东西，我们真正能掌控什么？文化增长受到设计的影响，反之亦然。因此，设计师在不断创新。但是我不禁好奇地想知道在文化如此快速消耗之际，又会出现什么情形？我们是否正冒险失去那些值得保存的东西？作为设计师，我们有责任了解更多的关于我们从文化中汲取的影响吗？我们应该向当代文化引进哪些东西呢？设计对文化的进步是构成威胁呢还是有促进作用？
历史上，曾出现过排斥文化的现象，结果导致语言丧失、文物遗失的悲剧发生。当然，历史上有些文化形态从未留下过任何记录，因此，文化丧失这一概念还尚未确定。当然，有些文化形态也许已经存在了几百年或者几千年了。现在，想一想今天的情形——我们有着任意使用一切资源的偏好。历史上从未出现过像今天这样对思考的新模式如此快速的采纳又如此之快的弃用时期。
当我们为了未来重新界定文化发展这一概念时，必须小心谨慎，明白自己所承担的责任。以莫希干部落为例，该部落已消失在历史的烟云中，实际上没有人知道它的文化。但是，通过阅读小说家詹姆斯·费尼莫尔·库柏所写的那本永存的伟大作品《最后一个莫希干人》，他俨然变成了一位历史学家。不需要任何努力，该书便具有了史料价值。我们对他所描述的有关莫希干部落的文化深信不疑。然后，大众媒体利用电影延续了这种不可磨灭的文化形象。20世纪对库柏作品的阐释成为全球学生心目中的莫希干人形象——要么是形成这种印象，要么去康涅狄格州大赌城亲自游览一番。我想造成今日局面，是对人类文化真相的极不负责任的表现。对于这一行为，我觉得这是人类的耻辱。如果你认为莫希干部落是不值得担心的，那就向前跨越若干世纪，反省自问：“未来会如何看待我们?”
p64>>Vault49创意设计团队为VH1 Soul电视台创作的作品。
p65>>澳大利亚墨尔本建筑设计师Elenberg Fraser设计的“立体之家”。像他这样的名设计师除需要住房和度假别墅外，还需要标志性的写字楼和大学式的图书馆，以此来展现个性和社会地位。

蚂蚁

我们期望知道我们所研究的每一种文化的真实面目。因此，诚实，作为一种实践和一种价值观，被引入到大部分的文化和宗教之中。社会将文化真相视为神圣；然而，艺术却在真相上戳上洞，具有讽刺意味的是，艺术本身常用感知代替真相，特别是当今这个年代，任何事情都是开放式的，且易于引起质问。人类的价值观和自由与我们的表达手段和发展紧密相连。这足以说明为什么审查制度总是引起抵制。

, >>该艺术作品由Adhemas Batista设计，来表现浏览电子杂志 NewWebPick的奇妙感受。巴西正以其独特的画面形式引领当代世界设计领域。这种形式已经为可口可乐和耐克的领军设计师所关注，因为它可以从新的表现角度来诠释这些品牌。这种“巴西效应”——色彩、性与玩世不恭的紧凑结合——正在为世界平面广告、动画和视频领域注入新鲜感觉。
p67>>南加州画派重要人物加里·贝斯曼可能会让那些略微保守的画廊画迷们大吃一惊了，他用一种独一无二的纯艺术手段来创作作品，而这正是他的一贯标志性风格。《托比玩捉迷藏》，帆布丙烯酸画，加里·贝斯曼2007年设计。
艺术和设计是一种强有力的表达手段，但是它也是一种感知。想一想引发争议的设计，譬如美国南方联邦旗帜，或者纳粹党所用的党徽。对有些人而言，这些不过是设计的材料而已；而对于另一些人而言，他们代表荣耀，对其他人而言，他们是压迫和忿恨的象征。就连审查机构也往往包含倾向一方的强烈情感，不然，就没有人理会它。这恰恰证明了文化注入到视觉符号和设计中的力量。
从纳粹旗上面的黑、红、白三色联想到令人恐惧的西斯廷教堂穹顶壁画，再到上月出版的《时尚》杂志，设计是人类最后的遗产。你又会留下何种设计作为我们这个时代的真相呢？